Ritorna, ad un anno di distanza, quel Tristano e Isotta che all’apertura della passata stagione scaligera, aveva segnato – dopo il periodo di assestamento post-mutiano – l’inizio del nuovo corso del teatro milanese. Identico l’allestimento, identico il cast, identico il direttore: identici i pregi e i difetti. Ma stavolta con qualche perplessità in più
Dopo un anno solamente, l’allestimento, infatti, mostra già i segni di un invecchiamento precoce, e quello che nella passata stagione era sembrato un dubbio, un’ombra di deja vu (un nostalgico riflusso di avanguardia anni ‘70) appare oggi compiutamente per quello che è: la riproposizione di un teatro para brechtiano e ideologico, in un’ambientazione astorica di decadenza post industriale, immersa in colori cupi e grigi (opprimenti, ma non notturni) con impianto scenico semi fisso e avulso dalla vicenda narrata e i soliti cappottoni stile DDR uniti a comportamenti da Gestapo di taluni personaggi contrapposti ad altri in guisa di Spartachisti ante-litteram. Questo è Chereau: già era così il suo celebrato (e giustamente) Ring, ma con la differenza che allora (risale al 1980 se non sbaglio) era una novità, oggi – nella palese imitazione di sé stesso – è solo manierismo (e nemmeno di grande fattura). Gli inequivocabili segni del tempo, comparsi così prematuramente, su questo Tristano sono, forse, il segno tangibile di un certo modo di far teatro, oggi purtroppo assai diffuso insieme al cosiddetto teatro di regia (che tanti disastri sta facendo in tutta Europa), che appare sempre più debole, scontato e omologato (e assolutamente privo di idee): ormai non vi è più differenza tra repertori, Carmen o Tosca, il Ring o Aida, Ermione o Lohengrin, Così fan tutte o Orfeo ed Euridice, cambia il titolo, ma le valenze estetiche delle messinscene non mutano e le soluzioni appaiono sempre le stesse (solite scene fisse, solite luci di taglio, solite ambientazioni astratte o astoriche o trasposte, solita spruzzata di sesso&sangue: clichè per illudersi di tragredire a chissà quali regole da benpensanti o per far finta di épater les bourgeois, come si diceva un tempo...)
Daniel Barenboim, ora come allora, si conferma il grandissimo direttore che è. Soprattutto in questo che pare esser veramente il suo repertorio di elezione. Ecco dunque confermata e rafforzata l’opinione già espressa l’anno passato: basta l’attacco del preludio per rilevarlo! Quanta differenza tra il suo Wagner e quello di un Gatti (penso al Pasifal di Bayreuth e al Lohengrin scaligero, noiosi e deludenti). Quanta differernza nell’orchestra (a parte qualche piccola sbavatura in taluni attacchi all’inizio dell’atto III) quando è condotta da una bacchetta con una vera idea interpretativa e capace di infondere la propria visione all’intera compagine, rispetto a direttori che hanno fatto della mediocritas (si badi bene, non routine, che è qualcosa di assai diverso e più “nobile”) la propria scontata e rassicurante cifra stilistica. Il confronto con la pesantezza, la mancanza di precisione, la piattezza, della medesima orchestra all’apertura di quest’anno, infatti, è schiacciante e dovrebbe indurre ad una seria riflessione su certi nomi e su certi incarichi.
Per ciò che riguarda il cast si possono riproporre le medesime considerazioni dell’anno passato (con qualche perplessità in più, dicevo, soprattutto per ciò che riguarda le condizioni della protagonista). Brangania a parte, infatti, il cast di ieri sera ricalca esattamente quello del 7 dicembre 2007. Ian Storey è un Tristano migliore di quello dell’anno scorso, e sfoggia una certa maggiore sicurezza e resistenza, con acuti più saldi e meno sforzati (anche se nell’atto II qualche defaillances si percepisce chiaramente, sia per ciò che riguarda l’intonazione, sia per la precisione degli attacchi, non sempre impeccabili): la voce comunque è abbastanza corposa e ben proiettata ed esegue un buon atto III. Matti Salminen affronta nuovamente l’ingrata parte (poiché la meno interessante dell’opera dal punto di vista musicale) di Re Marco: voce profonda e ferma (pur con un certo effetto di intubamento, dovuto però al trimbro particolare del cantante, e comunque meno presente rispetto all'anno passato), con ottima tecnica e fraseggio nobile e regale, solo offuscata dagli inevitabili cedimenti dovuti alla lunga carriera (ovviamente il registro acuto è sforzato e sofferto). Brangania è Lioba Braun: unico elemento di novità del cast, appare largamente inferiore al compito, compromettendo – almeno in parte – certi momenti tra i più suggestivi della partitura (come il Canto alla notte nell’atto II). Voce piccola e tendente all'indietro, traballava talvolta sia nell'intonazione che nella tenuta. Bravi Gerd Grochowski e Will Hartmann (rispettivamente Kurwenal e Melot), così come efficaci i comprimari: il Giovane Marinaio di Alfredo Nigro (che apre l’opera) e il Pastore di Ryland Davies (con l’eccezione di un eccessivamente torniturante Ernesto Panariello che sbraita come un forsennato ad annunciare l’arrivo di Marco nell’atto III). Discorso a parte per l’Isotta di Waltraud Meier: su di essa infatti si concentrano tutte le perplessità della serata. Già l’anno scorso non nascondeva le difficoltà, soprattutto nel registro acuto. Ieri sera, dopo un primo atto accettabile (ma giocato sull’orlo del precipizio), crolla nel duetto del secondo: il registro acuto è sforzatissimo e ormai compromesso e talvolta indulge nell’urlo o nel parlato, l’intonazione è spesso precaria e l’affanno è evidente. Inoltre denota la difficoltà di legare le lunghe frasi che la parte impone (la cui impeccabile esecuzione è condicio sine qua non in un'opera come questa). Alla fine si riscatta con un appena discreto Mild und Leise (naturalmente se paragonato al disastro del duetto, ma certo non è neppure da confrontare con le grandi Isotte della storia recente e passata). Dell’ovazione che il teatro le ha tributato (per nulla giustificata, secondo me) deve, però, rendere grazie, di nuovo e di più, alla amorevole cura di Barenboim che costantemente le è venuto in soccorso dal podio. Davvero un grande direttore d’orchestra che, conscio dei limiti dei suoi interpreti, si mette a servizio degli stessi rinunciando al protagonismo fine a sè stesso che spesso ha afflitto i suoi predecessori sul podio del Piermarini... Teatro non pienissimo (diversi i posti vuoti in platea e nei palchi) e pubblico più maleducato del solito: parlottii e colpi di tosse hanno accompagnato le 4 ore di musica come un sottofondo ininterrotto e fastidioso. A tal proposito suggerirei alla gestione del servizio caffetteria della Scala di proporre, oltre ai classici generi di conforto, anche delle bevande a base di sciroppi lenitivi e contenitivi.
Al termine, comunque. grandi applausi per tutti (salvo qualche contestazione al regista), meritatissimi (ancora una volta) per il direttore e l’orchestra, un po’ meno per i cantanti….
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Raina Kabaiwanska donna elegante e cantante raffinata nelle scelte artistiche anche quando esiguiva melodrammi assolutamente popolari come Tosca non ha avuto una reiterata frequentazione con i concerti di canto.
