Edgar al Comunale di Bologna

Venerdì nel teatro felsineo ha debuttato l'ultimo titolo prima della pausa estiva: Edgar, seconda opera di Puccini, scelta invero poco consona a un weekend di tarda primavera, sia pur umido e uggioso.

Il titolo è stato proposto non nella versione definitiva, in tre atti, ma in quella originale, in quattro, seguendo un malinteso spirito “ultrafilologico” che persino il festival, istituzionalmente preposto alla valorizzazione del catalogo pucciniano, non aveva ritenuto di onorare al momento di allestire l’opera in questione.
Il teatro era semideserto, con molti posti vuoti in platea, consistenti “forni” nei palchi (e questo malgrado la svendita dei biglietti relativi, operata tramite la pagina Facebook del teatro) e un loggione in cui gli sparuti spettatori non arrivavano neppure a colmare la prima fila di posti. Ulteriori defezioni si sono avute in occasione dei due intervalli.
La serata, per la cronaca, si è conclusa a mezzanotte passata, anche perché, prima dell’inizio dell’opera, è stato proiettato un video, realizzato dai lavoratori del Teatro, e volto a sensibilizzare il pubblico sul tema dei tagli allo spettacolo. Sensibilizzazione che è proseguita con l’annuncio di uno sciopero bianco in ragione del quale alcuni artisti di orchestra e coro avrebbero devoluto parte dei loro compensi in beneficenza.
L’iniziativa è senz’altro nobile e meritoria, ma come nel caso della Carmen, a questi annunci dovrebbe seguire uno spettacolo meno zoppicante rispetto a quanto proposto l’altra sera.

L’opera, diciamolo subito, non è un capolavoro: patisce un libretto a dir sconsolante, ma anche il trattamento musicale presenta più di una battuta d’arresto, con svariate lungaggini soprattutto nel secondo e quarto atto. E non per caso proprio su questi si incentrarono le modifiche apportate dall’autore nelle due revisioni successive. Puccini ha ben presente la lezione dell’opera francese e costruisce grandi quadri in cui i numeri chiusi, romanza, duetto o concertato che siano, si succedono senza soluzione di continuità. Con i lunghi passaggi di declamato sugli infelici versi di Ferdinando Fontana, l’autore sembra predisporre le prove generali del canto di conversazione che tanta parte avrà nelle opere successive, e anche la scrittura orchestrale (specie nei preludi al terzo e quarto atto) fornisce ampi saggi del valore del musicista come strumentatore. Il trattamento delle voci, invece, non è sempre felicissimo e sembra, in alcuni punti, al limite delle possibilità umane. Ma questo brillante risultato è in buona parte da ascrivere al plateau riunito per l’occasione.

La parte del protagonista, che ebbe fra i primi interpreti Francesco Tamagno (a Madrid) e Giovanni Zenatello (al Colón di Buenos Aires), trova in José Cura un interprete ridotto ai minimi termini. E non parliamo certo della tecnica, che mai è stata all’altezza del repertorio e dei titoli affrontati, ma proprio dello strumento, che suona opaco, larvale in basso, privo di spessore al centro, fibroso e gridacchiato in acuto. Ogni tentativo di cantare piano e di dare senso alle frasi, soprattutto se in zona centro-acuta, fa sì che la voce vada indietro, con abbondante messe di suoni spoggiati e bianchicci, non di rado stonacchiati (soprattutto nel monologo del secondo atto). In queste condizioni la decenza consiglierebbe il ritiro dalle scene e la prosecuzione della carriera musicale, se del caso, in altri ambiti, ad esempio quello della direzione d’orchestra, in cui l’argentino ha offerto, proprio in Bologna e nel repertorio pucciniano, una prova ben più brillante rispetto a quest’ultimo deludente cimento.

Nei panni di Fedelia Patrizia Orciani, subentrata in corsa alla dileguata Svetla Vassileva, ha esibito i resti di una gradevole voce di soprano leggero, eseguendo scolasticamente il primo atto (sia pure con uno strumento che non ha, specie in prima ottava, l’ampiezza e la capacità di penetrazione richiesta dallo spessore dell’orchestra pucciniana: nel finale primo, in cui il soprano deve “tirare” il concertato, era difficile accorgersi della sua presenza) e soccombendo nel terzo e nel quarto, per l’incapacità di legare al centro e per la tendenza a stonare nella zona del passaggio superiore. Gli acuti, poi, sebbene più ampi rispetto al resto della gamma, erano suoni tutt’altro che piacevoli a udirsi. Clamorosa l’improntitudine del “fan” che ha azzardato uno stentoreo “Brava!” dopo l’imbarazzante esecuzione dell’aria del terzo atto, aria che proponiamo, per ogni opportuno confronto e riflessione, affidata alla voce, e più ancora all’eloquenza, di Raina Kabaivanska.

Tigrana, parte creata alla prima scaligera da Romilda Pantaleoni (prima Desdemona) e poi di fatto condominio di mezzosoprani (Giuseppina Pasqua, a Madrid) e soprani drammatici (Giannina Russ, al Colón), era affidata a Giuseppina Piunti. La signorina Piunti si era esibita a Bologna un paio di stagioni fa, quale Adalgisa. Ci era parsa un soprano lirico di buona voce, ma con molte cose da sistemare in zona centro-acuta. Due anni dopo, i gravi permangono poco udibili (canzone al primo atto) e l’ascesa all’acuto assai impervia (brindisi al secondo, pagina ostica anche in ragione di un minimo di coloratura previsto in spartito). Persino il timbro è drasticamente impoverito rispetto a quanto ricordassimo. La voce è un po’ più sonora nella romanza del terzo atto, ma a prezzo di una notevole fatica nelle grandi frasi legate in zona centrale. Ottima la presenza scenica.

Frank era Marco Vratogna. La parte, meramente decorativa e vocalmente non certo proibitiva (il che non scoraggiò l'approccio di alcuni dei più forbiti baritoni fra Otto e Novecento, capitanati da Antonio Magini-Coletti e Mario Ancona), gli ha consentito di figurare un poco meglio rispetto ad altre occasioni. Il canto, nella romanza al primo atto, è quello di sempre, fibroso e di scarsa qualità nel legato.

Discreta la prova di orchestra e coro, mentre la direzione di Mario De Rose ha trovato i suoi momenti più felici nelle pagine di carattere idilliaco del primo e quarto atto, risultando invece greve e bandistica tanto nel furore orgiastico del secondo quanto nella solennità funerea del terzo. Qualche lieve sfasamento fra buca e palco negli attacchi del coro fuori scena, ma anche a questo siamo ormai avvezzi.

La regia di Lorenzo Mariani, che spostava l’azione dalle Fiandre trecentesche a una sorta di campagna padana risorgimentale (con tanto di corazzieri e bandiere di casa Savoia), era piatta e decorativa al punto da far rimpiangere una bella esecuzione in forma di concerto, che nulla avrebbe sottratto ai meriti della partitura e avrebbe comportato un discreto risparmio per le casse, già molto provate, del Teatro.